Rosangela Chirico ArtWoman

Arte contemporanea (1900-XX)

L'Arte contemporanea annuncia una produzione artistica che si diffonde dall'inizio del XX secolo, ai giorni nostri, ad opera di numerose correnti stilistiche, scuole e singoli pittori, scultori e architetti, accomunati dal rifiuto dei canoni estetici ed architettonici, e affermatisi nell'arte occidentale a partire dal Rinascimento. Costoro consentirono un'autentica rivoluzione artistica. Molti dei gruppi che nacquero dall'entusiasmo per la nuova libertà espressiva, ebbero breve durata. Il loro significato storico, risiede soprattutto nella volontà e nella capacità di sperimentare forme inedite, sia stilistiche che figurative. Tra i movimenti che esercitarono maggiore influenza sullo sviluppo dell'arte contemporanea, ricordiamo il Fauvismo, l'Espressionismo, il Cubismo, il Futurismo, il Costruttivismo, il Neoplasticismo, il Surrealismo, il Minimalismo; tutte tendenze pittoriche avanguardistiche, affermatesi in Francia nella seconda metà del XIX secolo, in particolare tra il 1860 e il 1870. La ricerca di nuove modalità espressive rispetto al passato, si manifestò nell'opera di artisti come: Edouard Manet, che rese la figura umana, con campiture piene, entro precisi contorni; o come gli impressionisti, in particolare: Camille Pissarro, Claude Monet, Alfred Sisley e Renoir, che si interessarono alla resa degli effetti luministici, più che alla netta definizione delle forme. Tra i postimpressionisti, esisté Georges Seurat che sostituì l'ampia pennellata impressionista con puntini di colori complementari fittamente accostati, dando vita allo stile detto puntinismo; mentre Paul Gauguin si concentrò sulle figure esotiche, e sulle relazioni tra i colori della composizione.
La linea convulsa, e l'uso espressivo del colore, nell'opera di Vincent Van Gogh, avrebbero fortemente influenzato l'artista norvegese Edvard Munch, e gli espressionisti tedeschi. Paul Cèzanne fu il pittore che ebbe maggiore rilevanza nello sviluppo dell'arte del Novecento; le sue intense stesure cromatiche, in cui la prospettiva appare semplificata o assente, erano al servizio di un'arte astratta, e insieme rigorosamente formale.
I principi strutturali della rappresentazione adottati da Cèzanne, in seguito furono ripresi e rielaborati da Pablo Picasso e Georges Braque, in paesaggi e nature proto-cubiste e cubiste, al principio del XX secolo. Tutti gli artisti della fine del XIX secolo furono alla ricerca di un'arte, non più rivolta ad una rappresentazione esclusivamente realistica, ma soggettivamente emozionale. Agli inizi del nuovo secolo, le opere dei pittori tardo ottocenteschi, considerate spesso scandalose, cominciarono ad avere larghi consensi, influenzando profondamente la nuova generazione di pittori. I francesi, Henri Matisse, Andrè Derain, Maurice de Vlaminck, Georges Braque e l'olandes Kees Van Dogen, elaborarono una stile anticonvenzionale, fondato sulla deformazione dello spazio pittorico, e sull'uso esasperato di colori forti, dalle tonalità cariche. La loro arte suscitò numerose critiche e condanne, ed essi vennero definiti, "Fauves" (belve, animali selvatici). Nonostante la sua breve vita, il fauvismo ebbe un ruolo fondamentale, nello sviluppo dell'arte del novecento.